La compagnie de danse d’un ancien membre du corps professoral mêle mouvement et parole

Le son de la voix de ténor ferme d’un homme emplit le théâtre.

« C’est comme ça qu’on se donne le temps de réfléchir : se briser en morceaux, les éparpiller, les étiqueter d’autre chose qu’un nom, les jeter à la rue aux autres et à leurs descendants.

Sa voix chemine le long du poème comme un alpiniste déterminé escaladant une montagne, avec une intonation sûre et subtilement rythmée. Une demi-douzaine de danseurs évoluent sur cette mélodie fantôme sur une vaste scène. Ses gestes sont assez impressionnants en eux-mêmes – chacun témoignant clairement d’années de discipline – mais lorsqu’ils sont associés à la voix aérienne, la performance prend une qualité intrigante.

Voici Kin, une compagnie de danse contemporaine fondée et dirigée par l’ancien membre du corps professoral de l’Université de Stanford, Robert Moses. Le groupe de treize danseurs, dont trois artistes invités, a commencé à interpréter des extraits du projet The Exceptionally Elderly Overweight Black Man Phoenix de Kin en 2019. Ils ont également lancé le spectacle de Moses en 2022, The Soft Solace of a Slightly Descended Lost Life (Suck It)”, un œuvre interdisciplinaire de chorégraphie et de poésie parlée basée sur ses expériences en tant qu’homme noir aux États-Unis – en particulier “l’héritage brisé, le risque et le vol du confort et de la sécurité de la vie quotidienne.” Une demi-douzaine de danseurs ont occupé la scène pendant la majeure partie de le programme de 90 minutes, souvent divisé en un duo vedette avec un groupe d’interprètes de secours. L’événement a eu lieu au Presidio Theatre de San Francisco, récemment rénové.

L’ouverture de “Solace”, le nouveau projet, transmettait un sentiment palpable de danger, depuis les “Jaws” comme des coups de piano dans la piste audio, jusqu’au rythme frénétique et aux formes énervées de la chorégraphie. Les danseurs incarnaient l’inconfort à travers leurs doigts écartés ; tremblements allant des tremblements des mains aux crampes du corps entier ; la qualité rapide et débordante de ses rôles magistralement contrôlés. La poésie parlée écrite par Moïse exprimait sa colère face aux expériences de marginalisation de Moïse, en particulier le traumatisme de la brutalité policière envers les Noirs américains.

Des installations sculpturales ont été accrochées sur toute la scène. Chaque structure ressemblant à une méduse se composait de nombreuses longues cordes translucides suspendues à un plan carré à plusieurs pieds au-dessus de la scène.

Parfois, la chorégraphie était syncopée : chacun des multiples danseurs exécutait une chorégraphie unique dans une kinésphère individuelle fermée. Des duos élaborés avec des ascenseurs et d’autres mouvements de partenaires ont été dispersés tout au long de la représentation. Ils ressemblaient aux rares moments de synchronisation entre deux horloges cassées. Certains ont utilisé les installations sculpturales : un partenaire regardait, enchanté, à genoux tandis que l’autre secouait avec ferveur les mèches de l’installation devant lui. Ces duos ont également servi à renforcer le hors-commentaire. Les chutes de confiance, les câlins et les gestes réconfortants reflétaient les thèmes de la parenté et de la communauté. Dans l’un de ces cas, la voix off a exprimé l’inquiétude de Moïse pour son fils lors de rencontres avec la police, ainsi que sa frustration face au « discours » que les parents noirs donnent souvent à leurs enfants sur la façon de se comporter avec les forces de l’ordre.

Deux danseurs les bras croisés.
Samuel Melecio Zambrano et Arvejon Jones ont interprété un tel duo. (Photo gracieuseté de RJ Muna).

Pendant son séjour à Stanford, Moses a été artiste en résidence et directeur du Committee on Black Performing Arts. Il a travaillé sur le campus pendant 21 ans au total.

“L’esprit que la faculté veut engager avec les étudiants est incroyable”, a déclaré Moses à propos de son temps préféré à Stanford. “La chose la plus importante pour la faculté et l’administration, pour autant que je sache, ce sont les étudiants.”

Certaines parties du spectacle du week-end ont exploré les hauts et les bas du processus artistique. Dans “Consolation”, les danseurs Vincent Chavez et Jenelle Gaerlan se sont engagés dans un duo dynamique, se déplaçant à travers des changements de plan opposés – alors que l’un sautait haut, l’autre basculait vers le sol. Moses a décrit le stress lié à la recherche d’une expression artistique authentique dans la voix off : “Les danses sont réelles, mes sentiments sont réels et les idées sont des fils de pute qui deviennent des amants vivants et respirants dont vous avez besoin mais que vous ne pouvez pas prendre, si ce sont des regards. vous dans les yeux.

Extraits de “Phénix” traite également des exigences du processus artistique. La bande-son parlée consistait en des descriptions sensorielles intimes de la vie en tant que danseurs qui mettaient en évidence la mission toujours présente de perfectionner leur art. Sur scène, un seul danseur retracerait le chemin et reprendrait les mêmes poses de demi-plié et d’étoile de mer, incarnant cette quête incessante de raffinement.

Des motifs ont également été intégrés de manière similaire dans “Consolation”. Chaque danseur semblait incarner son propre style unique – par exemple, évoluant à travers les membres dans des mouvements paresseux et fluides caractéristiques. Lors d’une séance de questions-réponses après la représentation, Moïse a expliqué que c’était bien l’intention. Ces styles offraient «un moyen d’entrer et de sortir de l’individu» et de distinguer leurs solos des moments d’ensemble.

Le week-end dernier, Kin est revenu sur scène après que la pandémie a forcé l’arrêt des performances en direct. La danseuse Crystaldawn Bell a exprimé sa joie d’être “de retour au théâtre”, en disant : “J’étais curieuse de voir si les gens seraient à l’aise de se présenter à nouveau et le soutien a été écrasant.”

Danseur en chemise bleue tourné vers la gauche avec le bras tendu.
Crystaldawn Bell, qui est également directrice des répétitions, s’est déplacée avec des mouvements félins et énergiques. (Photo gracieuseté de RJ Muna).

La collègue de la compagnie, Emily Hansel, a fait écho à leurs sentiments, ajoutant qu’à chaque représentation, ils se sentaient de plus en plus ancrés dans la chorégraphie.

“Chaque fois que nous le faisons, c’est différent et excitant d’une nouvelle manière”, ont-ils déclaré. Hansel fait partie de l’entreprise depuis 2019. On leur a demandé de revoir des extraits de l’émission Phoenix de 2019 pour cette considération. Malgré le matériel plus ancien, ils ont trouvé le retour étonnamment évident : “C’était très confortable.”

Robert Moses’ Kin a prouvé l’efficacité du mouvement comme moyen de communication. Dans une synthèse du mot et du geste – son, image et sensation – Moïse a créé un langage viscéral pour donner un sens à son expérience vécue. La chorégraphie a servi de point de référence nécessaire pour la pièce de création parlée élaborée de Moïse; c’était comme si les actions des danseurs racontaient ses paroles et non l’inverse. En fait, ils décrivaient des expériences clairement liées au corps. Le corps est le théâtre de la misère du danseur perfectionniste comme du traumatisme de la violence raciste. Kin est une mémoire vivante et respirante de l’expérience vécue de Moïse, de l’acteur au sujet.

Note de l’éditeur : cet article est une critique et contient des opinions, des réflexions et des critiques subjectives.

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