‘Hearing during Covid Part 10’ : Tant de musique incroyable à découvrir !

De Ralph P. Locke

Les maisons de disques nous apportent des merveilles inattendues, passées et présentes, que nous n’aurions peut-être jamais entendues autrement, des œuvres étonnantes de l’époque de Haendel et de toutes nouvelles pièces américaines aux sonates pour guitare élégamment jouées de la Vienne du XIXe siècle.

Cliquez ci-dessous pour commander ou écouter les CD d’Ophélie Gaillard, Matiegka ou Samuel Adler. Chaque album est également disponible sur Spotify et d’autres services de streaming.

Je suis étonné par beaucoup de sorties récentes des maisons de disques. Le dernier lot adorable comprend des pièces que peu d’entre nous connaissent (ou même pouvez connu jusqu’à présent) de trois périodes : du début au milieu du XVIIIe siècle (en Italie et dans les îles britanniques), du début du XIXe siècle (à Vienne) et en ce moment même ici aux États-Unis.

En commençant par ordre chronologique, nous avons le dernier de plusieurs enregistrements mettant en vedette la brillante violoncelliste française Ophélie Gaillard. Ici, elle dirige un orchestre pour instruments historiques appelé Pulcinella « du violoncelle ». Gaillard et Pulcinella nous apportent des œuvres qui ont été ou auraient pu être jouées à Londres pendant les périodes baroque et classique. La plupart des compositeurs y résidèrent temporairement, certains d’entre eux étant eux-mêmes violoncellistes.

On entend des concertos pour violoncelle de Nicola Porpora et Giovanni Battista Cirri, des pièces plus courtes de Haendel, Hasse et Geminiani, et quelques chansons folkloriques transcrites et arrangées par un éminent compositeur écossais, James Oswald, récemment sorti (dans ce CD ASV Gaudeamus et celui-ci sur Alpha ) . Les mélodies sont pleines de vie et d’intérêt harmonique dans les interprétations d’Oswald.

Les numéros vocaux comprennent un air de Haendel (en italien) et un numéro de Geminiani en anglais de lui Traité du bon goût dans l’art de la musique. Ils sont délicieusement traités par la soprano Sandrine Piau et – autre nouvelle « trouvaille » pour moi – la mezzo-soprano Lucile Richardot. Piau chante Haendel (un air de son opéra italien Alcine), et Richardot fait les différents numéros en anglais. Les deux chantent avec une souveraineté élégante, mais transmettent également les mots de manière convaincante.

Tout au long du CD, les tempi et le phrasé sont appropriés et convaincants. D’une manière ou d’une autre, je n’avais jamais entendu parler du violoncelliste/chef d’orchestre Gaillard auparavant. Elle a fait de nombreux enregistrements de Bach, Brahms, Britten et quelques non-B, mais cela semble être son enregistrement le plus aventureux à ce jour. Elle risque même son apparence visuelle : la photographie d’elle sur la pochette du CD montre ce qui semble être une scène nocturne peinte sur son cou et son sternum nus, vraisemblablement en référence aux pistes du CD (Une nuit à Londres) et plusieurs chansons sur l’enregistrement (dont “The night her silent sable wear”). L’expérimentation sonore est tout aussi étonnante, certaines sections de la musique étant dotées d’une touche de danse folklorique et d’instruments ajoutés pour une saveur locale (par exemple, le tambourin et, dans un certain nombre basé sur l’air espagnol “La folía”, la guitare et les castagnettes).

Au crédit de Schubert, il a gardé par inadvertance le nom de Wenzel Thomas Matiegka vivant jusqu’à nos jours. Matiegka (1773-1830), né en Bohême mais actif principalement à Vienne, avait trois ans de moins que Beethoven et vingt-quatre ans de moins que Schubert. Ses compositions sont humbles et conventionnelles, comme c’était bien sûr le cas de nombreux contemporains de Beethoven et de Schubert (à l’exception de quelques-uns comme Cherubini, l’ami de Beethoven Reicha et Étienne Nicolas Méhul). Un Trio Matiegka pour flûte, alto et guitare (op. 21, intitulé Notturno) a fourni à Schubert une partie de violoncelle supplémentaire pour plaire à son employeur de l’époque ; la version résultante a eu une existence vivante dans la performance et l’enregistrement, parfois appelée à tort “Schubert: quatuor de guitares”.

Matiegka était un maître guitariste (également un bon pianiste) et j’ai donc été ravi de voir que deux nouveaux CD de ses œuvres pour guitare solo viennent de sortir. L’une des pièces de David Leisner est une sélection variée de ses pièces dans différents genres, y compris des sonates humbles et grandioses, une série de pièces progressives (ce qui signifie que les dernières pièces de la série deviennent progressivement plus difficiles) et une série de variations sur une mélodie tyrolienne. Je n’ai pas entendu cet enregistrement mais on m’a envoyé la nouvelle parution de David Starobin : les Six Sonates, op. 31, que j’ai trouvé très amusant.

Matiegka avait évidemment un bon feeling pour les mélodies et aussi comment superposer plusieurs voix tout en rendant le résultat jouable à la guitare. Comme on pouvait s’y attendre, les phrases sont souvent carrées (comme c’était souvent le cas pour nombre de ses contemporains tels que Czerny et Hummel), bien qu’un certain nombre de variations sur l’air de la Renaissance française “Vive Henri IV” tirent parti du fait que la dernière phrase du version de la mélodie utilisée par Matiegka (et chaque variation ultérieure) n’est que la moitié de la longueur des phrases précédentes. (Les amateurs de Rossini se souviendront immédiatement de cet air du XVIe siècle). Le voyage à Reimsun opéra écrit pour célébrer le couronnement du roi Charles X de France.) Starobin, l’un des plus grands maîtres de la guitare de notre temps, joue avec une beauté de ton sans faille et une touche d’esprit (comme dans certains passages d’appoggiatures, délicieusement coupés).

J’ai récemment salué un CD d’œuvres de chambre et pour piano solo de Samuel Adler, et je peux maintenant exprimer mon enthousiasme devant un CD équivalent (également sur le label Toccata Classics) contenant six de ses pièces pour orchestre, toutes enregistrées pour la première fois. Cinq des pistes sont assez récentes (2008 ou plus tard), et une – Allez, dansonsun fantasme de trois minutes sur les rythmes de valse – date de 2020, alors qu’Adler n’avait que 92 ans. Il a maintenant 94 ans et remplit toujours des commandes de solistes et d’ensembles bien connus.

Incroyablement séduisant est Arcos Concerto (2008), avec quatre instruments solistes : flûte, hautbois, clarinette et basson – une œuvre résolument à la manière d’un concerto grosso baroque, mais avec un langage tonal aussi frais que les fleurs que je vois fleurir dans mon quotidien. se promener dans le quartier. Le passé musical est une riche source d’inspiration pour Adler, que l’on retrouve également dans ses Dans l’esprit de Bach (2013), construit en partie sur la ligne de basse dans le thème des Variations Goldberg. Adler annonce de nouveaux changements sur les hauteurs familières, soutenus par son sens infaillible des possibilités des différents instruments à cordes. Son manuel sur l’orchestration est un classique, maintenant dans sa quatrième édition révisée.

J’ai été profondément ému par deux pièces écrites à des décennies d’intervalle élégie et commémorationtous deux remplis de regret et de compassion. Au-delà du blanchiment pour clarinette et orchestre est une réflexion fascinante sur les multiples ambiances de la musique klezmer ; Je recommande également d’écouter le Canto XIV d’Adler pour clarinette solo, qui utilise une grande partie du même matériau mais avec un effet très différent. Quoi qu’il en soit, l’apparition soudaine de la chanson populaire yiddish “Der rebbe Elimelech” vers la fin est indiciblement touchante. (Au cas où vous ne connaissez pas la mélodie, voici le grand chanteur folk et acteur Theodore Bikel qui la chante avec un groupe d’accompagnement klezmer plein d’entrain.)

Le CD se termine par de savants arrangements, également pour orchestre à cordes, des Variations on ‘America’ de Charles Ives (à l’origine pour orgue) et de Jupiter de Gustav Holst (de Les planètes). J’étais juste étonné d’entendre à quel point le holst sonne plein et naturel sans support de cor et de cuivres. J’ai toujours aimé la chanson légère d’Ives qu’il a écrite quand il avait 17 ans. Comme dans l’original, la version orchestrale d’Adler est toujours époustouflante, avec tout, d’une variation dans le style d’un boléro espagnol à un passage de cadence qui est un pur salon de coiffure. Quatuor. L’écriture pour cordes d’Adler est si idiomatique qu’on ne devinerait jamais que l’œuvre était à l’origine pour orgue. Si vous êtes curieux au sujet de la pièce, je recommande également l’arrangement expressif de William Schuman pour grand orchestre avec beaucoup de percussions accordées.

Que de belles musiques à découvrir !


Ralph P. Locke est professeur émérite de musicologie à la Eastman School of Music de l’Université de Rochester. Six de ses articles ont reçu le prix ASCAP-Deems Taylor Award for Outstanding Writing about Music. Ses deux derniers livres sont Exotisme musical : images et reflets et Musique et exotisme de la Renaissance à Mozart (les deux Cambridge University Press). Les deux sont maintenant disponibles en livre de poche; le second également sous forme de livre électronique. Ralph Locke y contribue également Leader du record américain et aux magazines d’art en ligne L’art new-yorkais, opéra aujourd’huiet L’intelligence musicale de Boston. Ses articles ont paru dans les revues scientifiques les plus importantes, en Musique d’Oxford en ligne (Grove Dictionary) et dans les livres de programme des grands opéras, par exemple Santa Fe (Nouveau-Mexique), Wexford (Irlande), Glyndebourne, Covent Garden et le Bavarian State Opera (Munich).

Leave a Comment