Faire évoluer la tradition avec la fusion du hip hop et de la danse amérindienne

Dans le lot squatté de Tewa, au centre-ville d’Albuquerque, au Nouveau-Mexique, l’équipe de Foundations of Freedom, vêtue de streetwear et de baskets, prend la parole à Breakin’ Hearts, un événement hip-hop annuel. Le maître de cérémonie Randy L Barton anime la salle avec un mélange EDM de voix et de percussions autochtones. Entourés d’une foule d’environ 250 personnes, les danseurs indigènes du chiffre activent une énergie tribale ; Balancer les bras, rouler le torse, sculpter les genoux, tisser, façonner et remodeler le jeu de jambes. Leur performance est un mélange homogène de hip-hop et de culture indigène.

La danse amérindienne est souvent considérée comme un style purement “traditionnel”, et bien que la tradition se reflète et soit préservée dans les danses, la forme est bien plus que cela. Pendant des générations, la danse a été une forme centrale d’expression émotionnelle, conduisant à a exécuté une variété de danses enracinées dans l’héritage et les cultures des nombreuses tribus indigènes d’Amérique du Nord. Il existe des danses religieuses et cérémonielles non ouvertes au public, des danses traditionnelles et des danses sociales telles que de nombreuses danses de pow-wow. La réaction des danseurs à leur environnement est inévitable, tout comme l’intérêt des jeunes danseurs à intégrer des idées contemporaines qui reflètent leurs expériences actuelles. Au cours des dernières décennies, cela a conduit à la croissance d’un nouveau style fusionné : le hip-hop amérindien.

Entreprise locale. Photo de Danny Upshaw, gracieuseté d’Indigenous Enterprise.

Cette innovation a produit un style de pas et de mouvements qui n’est pas sensiblement différent du hip-hop. Cependant, il y a une saveur distincte qui émerge de la fusion de la musique hip hop avec des chansons autochtones et à travers des mouvements qui élargissent l’urbanisme distinct du répertoire hip hop avec une référence incarnée expressive ou un respect pour la nature. Il s’agit d’une narration contemporaine de l’expérience autochtone en Amérique qui mêle rural et urbain, opprimé et autonomisé, individuel et collectif.

docteur érudit Tria Blu Wakpa. Avec l’aimable autorisation de Blu Wakpa.

La danse amérindienne et le hip-hop ont commencé à se tisser ensemble sous une forme urbaine et contemporaine unique à la fin des années 1990. Cependant, la danseuse Anne Pesata, qui est Jicarilla Apache, note qu’il y avait déjà des danseurs hip-hop autochtones reconnus internationalement comme le b-boy Ariston Ripoyla (alias “Remind”) qui construisaient leur carrière encore plus tôt. Dans une interview accordée à la plateforme multiculturelle Rep Ur Tribe, Remind se décrit comme activé par le hip-hop pour reconnaître ses racines indigènes et se souvenir de sa culture : “Breaking n’est pas si éloigné de ce que les tribus faisaient déjà”, dit-il.

“Les deux communautés partagent une expérience socio-économique similaire, donc les deux communautés sont liées.”
Anne a pesé

Pesata décrit la fusion en utilisant des termes similaires. « Les pas ne sont pas enseignés ni dans les pow-wow ni dans le style libre », dit-elle. Dans le contexte des compétitions, les deux styles encouragent les danseurs à montrer leurs meilleurs mouvements et phrases de signature pour illustrer ce qu’ils peuvent faire, plutôt que de s’appuyer sur la lentille à travers laquelle les formes eurocentriques comprennent les pas de danse. Pesata considère le mouvement comme existant dans un état fluide et non comme l’état solide de permanence que crée la conception des “étapes”.

Au cours des années 2000 et 2010, Nakotah LaRance, un maître danseur de cerceau qui a tourné avec le Cirque du Soleil, s’est fait connaître pour incorporer des éléments modernes comme le hip-hop et le moonwalk dans ses danses de cerceau. LaRance a souvent dansé sur de la musique EDM / indigène dans une tenue décontractée moderne, passant de manière transparente entre les performances de danse cerceau traditionnelles et contemporaines.

docteur érudit Tria Blu Wakpa. photo du docteur Mique’l Dangeli, gracieuseté de Blu Wakpa.

Plus récemment, le hip hop amérindien a été mis à l’honneur par l’équipe d’Indigenous Enterprise lorsqu’il est apparu dans la saison 4 de World of Dance en 2020. Bien que le fondateur Kenneth Shirley précise que ce n’est pas un style typique de la troupe, “Pour ‘World of Dance”, nous avons inclus une section pour engager le public et les juges avec de la musique et de la danse auxquelles ils s’identifieraient.” (Bien qu’il ait estimé que l’approche était efficace, l’équipage a quand même été éliminé lors du tour de qualification.)

Cependant, incorporer d’autres styles dans le mouvement n’est pas rare pour les danseurs autochtones : Shirley note que le hip hop n’est pas absent de sa danse traditionnelle. “J’ai incorporé des mouvements de hip-hop ou de ballet qui m’ont inspiré dans ma danse fantaisiste”, dit-il à propos de la danse populaire des pow-wow. “L’ajout de mouvements contemporains fait partie de la progression naturelle de la tradition.”

Cependant, ceux qui ne connaissent pas la pratique considèrent souvent la fusion comme une forme d’inauthenticité qui est devenue un défi pour une acceptation généralisée. “Les récits traditionnels ont tendance à reléguer les peuples et les pratiques autochtones au passé et à les considérer comme “inauthentiques” lorsqu’ils incluent des aspects de la modernité”, explique le Dr. Tria Blu Wakpa, professeure adjointe d’études de danse à UCLA. En revanche, Blu Wakpa dit que la fusion peut être comprise de manière plus réaliste comme “une extension des pratiques indigènes”.

La danseuse Anne a pesé. Photo de Drew Pennie, avec l’aimable autorisation de Pesata.

Du point de vue de la communauté hip hop, la danse indigène s’y intègre parfaitement. “Il y a longtemps, les architectes du hip-hop envisageaient une communauté créative où l’héritage, la culture et l’identité de chacun pourraient être traduits en une gamme de formes et de principes artistiques : DJing, Emceeing, Breaking, Graffiti et Knowledge”, explique Ben Ortiz, commissaire associé. de la Cornell Hip Hop Collection, qui rassemble et archive des artefacts historiques de la culture hip-hop à l’Université Cornell. « Les danses de pow-wow traditionnelles associées à du popping ou du breaking ne sont pas seulement droguecela semble complètement naturel et à l’aise dans la communauté hip-hop.

Pesata décrit que le croisement est possible parce que “les deux communautés partagent une expérience socio-économique similaire, donc les deux communautés sont liées”. Les diverses personnes de couleur qui composent la communauté hip-hop et les communautés autochtones ont toutes deux été aux prises avec l’appropriation et la symbolisation, l’oppression et la marginalisation. Et les deux partagent des parallèles frappants dans les pratiques culturelles : tambour pour le DJ, chant pour le maître de cérémonie et pétroglyphes pour l’art du graffiti. Pesata souligne que le concept de “combat” est au cœur des deux styles. Historiquement, il y a des danses de guerre dans la tradition indigène et aujourd’hui, il y a des compétitions de danse de pow-wow à enjeux élevés. Dans le hip-hop comme dans la danse vernaculaire, la concurrence inhérente aux luttes a alimenté l’innovation et alimenté l’évolution des formes.

La danseuse Anne a pesé. Photo de Tex Monarco, avec l’aimable autorisation de Pesata.

Blu Wakpa considère le hip-hop amérindien comme faisant partie du futurisme indigène : “L’entrelacement du hip-hop et de la danse amérindienne peut être considéré comme une innovation, une indigénisation du hip-hop qui ouvre des opportunités génératives pour la créativité, l’expression et la guérison des Amérindiens. , la joie, la résistance et la résistance créent une connexion.” En faisant évoluer la tradition pour refléter le monde dans lequel ces artistes vivent aujourd’hui, ils deviennent plus visibles dans le cadre de la société contemporaine, changeant les récits entraînés par le système de réservation tout en renouant fièrement avec leur propre histoire.

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