Construire un public pour la musique classique contemporaine

Fergal Dowling, directeur du Music Current Festival, m’aide à comprendre la musique classique contemporaine tandis que la musique pop retentit des haut-parleurs d’un café du nord de Dublin. Je ne suis pas totalement étranger au sujet. J’ai beaucoup étudié la musique d’avant-garde du XXe siècle et j’aime ça. J’ai même en quelque sorte rédigé une thèse de maîtrise sur le compositeur peu orthodoxe Cornelius Cardew. Mais beaucoup de choses me dépassent, alors je fais appel à Dowling pour à la fois expliquer l’appel et décrire ce qui se passe au cours des six jours d’ateliers, de conférences et de concerts – certains gratuits – au festival de cette année, à partir du 19 avril.

Avec Ariana Grande fredonnant en arrière-plan, Dowling parle de sa transition d’un adolescent jouant de la guitare classique à un étudiant en composition du Trinity College obsédé par Edgard Varèse. “[Varèse’s music] semblait atteindre des espaces et parler dans une langue très étendue qui pouvait apparemment aller n’importe où. Il semblait que tout pouvait être dit. La musique est souvent numérisée et aplatie en un tableau unidimensionnel de uns et de zéros qui est reproduit ailleurs. Mais il y a de plus petits compositeurs qui produisent leurs propres œuvres [music] il fallait le vivre différemment, il ne peut pas être aplati, il ne peut pas être emballé et déballé.

En 2008, Dowling et l’organiste Michael Quinn ont fondé l’ensemble Dublin Sound Lab pour interpréter les meilleures partitions internationales d’avant-garde pour un public irlandais. Cela a abouti au Music Current Festival en 2016 avec un écart lié à Covid en 2020. « Nous avons cherché à redynamiser ce programme avec une collaboration continue tout au long de 2021. Nous avons raté un mini festival rapide [out] à l’époque.”

Nous quittons le café et entrons dans un studio au bout du jardin de Dowling, qui dispose d’enceintes, d’écrans d’ordinateur et d’un piano électrique. “Le processus pour moi est différent de ce que vous pourriez imaginer comme un paradigme du 19ème siècle où un compositeur est assis à un piano et a toutes les harmonies dans sa tête [is] il les élabore simplement et les dessine au fur et à mesure », dit-il. “Lorsque j’utilise des ordinateurs pour composer, je pense souvent à un niveau beaucoup plus abstrait dès le départ. J’essaie souvent d’utiliser la technologie pour résoudre un problème formel.

Il me montre des notes avec schémas et calculs, puis joue une composition qu’il a écrite pour l’ensemble américain Loadbang (clarinette basse, trompette, baryton et trombone) pour le concert de jeudi soir. Appelé Tout est une illusion, il s’agit d’un ordinateur qui réagit aux artistes en direct en temps réel. “Ils jouent des instruments, mais l’ordinateur les écoute et répond et ajoute ce genre de faux accompagnement. L’ordinateur improvise un peu.

Il passe ensuite une vidéo de musiciens du Dublin Sound Lab jouant Acceptance of Death du compositeur Elis Czerniak. Elle sera jouée dans le cadre du concert de mardi soir. La piste comprend l’audio de chaque musicien parlant de sa collaboration, joué sur des parties dans lesquelles ils jouent chacun en solo. “La seule chose qui est réparée, ce sont les pièces collées”, explique Dowling. “[Czerniak is] avec collage, création parlée, traitement en direct et ce genre de chose bebop où ils font tous un solo. » Les enregistrements audio parlés ont une longue tradition dans la musique contemporaine. “Il y a peut-être une approche très philosophique empruntée ici aux arts visuels, où l’œuvre est devenue sa propre documentation.”

Music Current propose également des ateliers et des discussions explorant les caractéristiques populaires du genre. Vendredi, par exemple, la violoniste suisse Maya Homburger et le contrebassiste et compositeur anglais Barry Guy présenteront une conférence suivie d’un récital. Mercredi, la violoncelliste australienne Ilse de Ziah dirigera un atelier sur l’écriture et l’interprétation de « partitions graphiques », une innovation du milieu du XXe siècle qui a vu des compositeurs comme Cathy Berberian et Pauline Oliveros s’écarter de la notation traditionnelle pour quelque chose de visuellement saisissant à créer dans lequel le les interprètes pouvaient interpréter leurs propres manières.

Les partitions contemporaines sont de plus en plus sollicitées pour être innovantes dans leur mise en page et ressemblent donc en partie à ces partitions graphiques. Il me montre la partition de Kokoras de Panyayioti pour Stone Age, qui doit également être jouée mardi soir. Il désigne un symbole inconnu sur le bâton. “La clé ici concerne le violoncelle tenu à l’envers. Une grande partie de cela devient très unique et très spéciale pour le compositeur et souvent aussi pour l’interprète. Beaucoup de compositeurs travaillent maintenant de telle manière qu’ils passent du temps avec un instrumentiste et disent : ‘Eh bien, qu’est-ce que tu peux faire ?’ »

Les choses non conventionnelles qu’ils “font” sont souvent désignées dans le monde de la musique contemporaine comme des “techniques étendues”. Dans cette optique, Kokoras a conçu un archet de violoncelle, qui a ensuite été créé à l’aide d’une imprimante 3D, et dont Ilse de Ziah a dû apprendre à jouer. Le son est grinçant et percutant. “Il a même donné aux ingénieurs des exemples du type de réverbération que nous devrions viser”, explique Dowling.

Les technologues sont une partie très importante de cette communauté. Jeudi, il y aura un atelier intitulé “Introduction pratique à l’acoustique virtuelle” animé par le Dr. Eoin Callery, qui a aidé à développer un système audio multi-haut-parleurs capable de modifier la texture d’un espace sonore. Homburger et Guy jouent avec ce système vendredi soir. “Vous pouvez assortir n’importe quelle pièce à la pièce dans laquelle vous vous trouvez. Nous n’entendons pas la pièce, nous entendons une église ou nous entendons une grotte.

Une table ronde avec le simple titre « Musique du futur ? » a eu lieu samedi. plonge dans les réalités de la créativité musicale à la suite des blocages de Covid. “La musique n’est pas une chose triviale, lointaine et abstraite”, déclare Dowling. “Cette attitude horrible est apparue ces dernières années alors que certaines parties prenantes de la société se sont fait dire qu’elles étaient des travailleurs clés indispensables et que les musiciens ont par conséquent été informés qu’ils étaient les travailleurs les plus consommables, les moins nécessaires et les plus inutiles.”

Dowling n’aime pas l’idée que la valeur de la musique puisse être jugée par son utilité commerciale. Il note qu’au Royaume-Uni, de nombreuses écoles de musique traditionnelle ont été fermées ou encouragées à développer des programmes plus axés sur l’industrie. “Ils ont arrêté de faire du contrepoint et de l’harmonie et ont commencé à former des gens à travailler dans ce genre d’environnement de production commerciale où vous avez appris ce genre d’approche commerciale et utile de la musique.”

Ce genre de musique contemporaine est-il consciemment politique ? Moins dans les pays anglophones, dit-il. “Sur le continent, la première question que tout le monde se posera sera : ‘Quelle est la motivation politique de cette pièce ?’ Quand ils vous demandent pourquoi, ils veulent dire : « Pourquoi maintenant ? Pourquoi ici? Pourquoi nous?’ Et il faut être capable d’expliquer pourquoi.

On prétend souvent que la musique classique moderne a emprunté un chemin trop obscur pour le fan de musique moyen. Au XXe siècle, des compositeurs comme Arnold Schoenberg ont commencé à rompre avec les harmonies conventionnelles, et plus tard dans le siècle, des compositeurs comme Karlheinz Stockhausen ont commencé à utiliser les nouvelles technologies pour explorer des sons, des rythmes et des timbres qui ne pouvaient pas être produits avec des instruments conventionnels. En conséquence, ce n’est généralement pas le genre de musique que vous pouvez fredonner ou cliquer avec vos doigts. “Comme les compositeurs utilisent moins les harmonies fonctionnelles, le public doit apprendre les différents types de processus qu’il utilise”, explique Dowling. “Et s’ils ne le font pas, ils ne l’apprécieront pas… c’est vrai. Il n’y a pas de structure formalisée pour apprendre certaines de ces choses. Mais les gens sont peut-être beaucoup plus instruits dans la technologie numérique aujourd’hui qu’ils ne l’étaient il y a quelques années et peuvent apprécier la création de musique numérique d’une manière qu’ils n’avaient pas auparavant.”

Dowling rejette l’idée que la musique expérimentale est trop difficile pour le public, pensant qu’il s’agit simplement d’avoir des attentes raisonnables. “Nous utilisons différentes musiques pour différentes choses”, dit-il. “C’est juste en quelque sorte l’endroit où nous nous asseyons et réfléchissons à ce qui se passe. Que font ces gens? C’est un processus intellectuel. Aucun de ces morceaux ne fera Last Night of the Proms [in London’s Albert Hall] mais ce n’est pas comme ça que ça doit fonctionner.

Il se souvient d’être allé à un concert à l’adolescence et d’avoir été époustouflé par la musique d’Olivier Messiaen. “Quand je programme ou que j’écris de la musique, j’imagine toujours cette personne dans la salle de concert et je tends la main à cette personne et change d’avis sur la musique ou sa façon de penser le monde. Nous sommes tous des évangélistes.

Il rit et cite Jack Black de School of Rock : “Je suis là tous les jours en première ligne, libérant les esprits.”

courant musical, Du 19 au 23 avril au Project Arts Centre à Dublin. Voir musiccurrent.ie.

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