Comment ne pas décoloniser les Grammys | la musique

Après un retard de deux mois causé par la pandémie, la cérémonie des Grammy Awards de cette année devrait avoir lieu à Las Vegas le 3 avril. Et une fois de plus, les récompenses les plus prestigieuses de l’industrie musicale sont entourées de controverses.

Sans surprise, le problème est la race. Au moins partiellement.

Les Grammys entretiennent depuis longtemps une relation tendue avec la race, conséquence inévitable du fait qu’une grande partie de la musique populaire américaine est produite par des artistes blancs s’appropriant des genres afro-américains.

L’année dernière, par exemple, l’artiste canadien populaire The Weeknd a annoncé sa décision de boycotter les prix après que son dernier album à succès After Hours ait été complètement exclu des nominations. Le boycott de The Weeknd, qui est venu sur le dos d’artistes noirs populaires – de Beyoncé à Kendrick Lamar – qui n’ont jamais réussi à gagner dans les principales catégories malgré la sortie d’albums en tête des charts et acclamés par la critique, a intensifié la conviction de beaucoup que les artistes noirs étaient dévaloriser les Grammys.

En fait, certaines décisions récentes du comité des prix ont suscité tellement de controverses que des artistes blancs comme Adele et Macklemore ont ressenti le besoin de s’excuser pour leurs victoires. De nombreux autres artistes noirs de premier plan, dont Drake, Kanye West et J Prince, ont appelé au boycott et à des remises de prix alternatives.

Les artistes ont des raisons de croire que les chances sont contre eux. Selon une étude récente du groupe de réflexion sur la diversité USC Annenberg Inclusion Initiative, alors que les artistes noirs représentaient environ 38 % de tous les artistes du palmarès Hot 100 de Billboard entre 2012 et 2020, ils n’ont reçu que 26,7 % des meilleures nominations aux Grammy – Album de l’année, Record de l’année, chanson de l’année et meilleur nouvel artiste – dans la même période.

« Comment est cette musique classique ? »

Cette année, les Grammys sont confrontés à deux controverses distinctes, toutes deux liées à nouveau à la race – et peut-être aux efforts visant à protéger la remise des prix des allégations de longue date de préjugés raciaux et de discrimination.

Le premier concerne les nominations de deux artistes afro-américains, le polymathe Jon Batiste et le violoniste Curtis Stewart, dans deux catégories de musique classique.

Batiste, leader de The Late Show avec le groupe house de Stephen Colbert Stay Human, a reçu un total de 11 nominations pour son album We Are et a été nommé It Artist of the Year par de nombreux critiques. Mais la nomination qu’il a reçue dans la catégorie Meilleure composition classique contemporaine a provoqué un tollé dans la communauté de la musique classique. Intitulée Batiste : Mouvement 11 et d’une durée d’un peu plus de deux minutes, la chanson est certes jolie mais comporte peu, voire aucun, d’éléments nettement classiques.

Pour sa part, Curtis Stewart a été nominé pour le meilleur solo instrumental classique pour son album produit par la pandémie Of Power. Contrairement à Batiste, qui est indélébilement enraciné à la Nouvelle-Orléans, Stewart est un virtuose classique reconnu. Mais comme We Are, son album brise délibérément les frontières entre classique, jazz et pop. Les chansons d’Of Power « riff », comme le dit une critique, alternent sur des mélodies jazz et classiques bien connues. Le son global, cependant, n’est pas ce que la plupart des gens décriraient comme “classique” – pourquoi cela reste un sujet de discussion crucial dans un genre qui a du mal à atteindre un public plus large.

Le fait que Batiste et Stewart mettent l’accent sur leurs références au jazz dans leur publicité et trouvent que repousser les limites est au cœur de leur musique ne semble pas résoudre le problème. Batiste, par exemple, a déclaré un jour : “Je ne pense même pas qu’un genre existe… La variété et l’accès… changent la façon dont les gens perçoivent la musique.”

Pour leur part, les musiciens et compositeurs classiques sont presque sans voix face à ce qu’ils appellent la « mauvaise catégorisation » des sons « tout sauf classiques » de Stewart et Batiste.

Ils ont même envoyé des lettres de plainte aux organisateurs, la Recording Academy, affirmant que le style éclectique de Batiste et Stewart démentait des années d’entraînement et de concentration intenses nécessaires pour composer et interpréter des styles classiques “plus corrects”.

Que la polémique entoure deux artistes afro-américains de la catégorie à prédominance blanche de la musique classique fait inévitablement craindre le racisme. Alors que les commentaires ouvertement racistes de certains musiciens classiques semblent les confirmer, il est également douteux que le trompettiste et compositeur de jazz noir Terence Blanchard ait remporté une catégorie pour son nouvel opéra acclamé Fire Shut Up in My Bones, la première musique classique du festival a été nominée par un Africain Compositeur américain, il y aurait tellement d’opposition. La nomination de Blanchard ne serait probablement pas considérée comme une « mauvaise catégorisation », car quels que soient le jazz et les autres éléments non classiques de son œuvre, elle est fermement enracinée dans la tradition classique et est, pour reprendre la célèbre définition de chef d’orchestre et compositeur de renommée mondiale. Leonard Bernstein a emprunté la musique classique bien plus “exactement” que les compositions en question.

Un lauréat de plusieurs Grammy Awards l’a mieux décrit en décrivant les deux nominations, expliquant que même si elles étaient toutes les deux bonnes, elles ne représentaient clairement pas le “sommet” des possibilités de composition classique, même le type hybride qui reflète le travail de Batiste et Stewart.

D’un autre côté, il y a peu de preuves, comme le chroniqueur du New York Times John McWhorter, qu’il s’agissait simplement de nominations pour la diversité. Ce qui est beaucoup plus probable, c’est que les électeurs des Grammys dans ces deux catégories, dont la plupart sont probablement des musiciens classiques ou des artistes eux-mêmes grâce à un changement de règle, ont entendu un appel croisé qui profiterait au domaine de plus en plus avide d’argent. McWhorter a également tort lorsqu’il prétend qu’un artiste comme Duke Ellington n’a rien à voir avec le fait d’être considéré comme classique. Comme Bernstein lui-même l’a expliqué lors d’une conférence de presse en 1966, après qu’Ellington ait noté à quel point les frontières entre le jazz et la musique classique étaient devenues floues : “Peut-être que la différence entre nous est que vous avez écrit du jazz symphonique et que j’ai écrit des symphonies de jazz”, a répondu Ellington avec un sourire. et a attrapé la main de Bernstein et a déclaré: “Je t’aime, mec.” À ce niveau, les frontières n’ont plus d’importance. Le problème est que les compositeurs de cette brillance et de cette grandeur sont rares aujourd’hui, en particulier dans le monde classique, c’est pourquoi des œuvres comme Batiste : Movement 11 et Of Power sont nominées.

De la “World” à la “Global” Music… et retour ?

La deuxième controverse autour des Grammys de cette année concerne la nouvelle catégorie Global Music. En 2020, la Recording Academy a renommé la catégorie Meilleur album de musique du monde en Meilleur album de musique mondiale.

L’académie a justifié sa décision en disant que la catégorie se voulait “plus moderne, plus pertinente et plus inclusive”. “Le changement symbolise un départ des connotations coloniales, folkloriques et” non américaines “que l’ancien terme incarnait, tout en s’adaptant aux tendances d’écoute actuelles et aux développements culturels dans les diverses communautés qu’il peut représenter”, lit-on dans un e-mail aux membres. .

Certes, le terme “musique du monde” a été popularisé comme un gadget marketing pour les 95 % de musique du monde qui n’étaient pas “occidentales”.

Mais quel succès ce gimmick a eu ! Après sa création en 1992, en particulier pendant la période 2004-2011 où elle a été divisée en prix « traditionnels » et « contemporains », la catégorie des musiques du monde a réussi au-delà des rêves les plus fous à susciter un intérêt mondial à la fois pour la « musique roots » traditionnelle et pour crucialement excitant, alimentant la montée d’une esthétique de musique du monde identifiable qui englobe les styles pop africains, caribéens, islamiques et euro-américains. Dans les années 1990, tout un écosystème musical mondial s’était solidifié, couvrant les maisons de disques, les festivals et les films du Nord comme du Sud.

Des artistes comme Youssou N’Dour, Angelique Kidjo, les Gipsy Kings, les Chieftans, Ali Farka Touré, Ladysmith Black Mambazo, Toumani Diabaté, Manu Dibango, King Sunny Ade, Fela, Femi, Seun et maintenant Made Kuti, Nusrat Fateh Ali Khan et des genres entiers de musique, du raï à la soul soufie, de l’afrobeat au blues sahélien, doivent une grande partie de leur succès à l’imagination et à l’image de marque mondiales représentées par la “musique du monde” et aux tournées, collaborations et performances lucratives que la compréhension a permises.

Dans ce contexte, alors que la Recording Academy dit avoir changé de nom pour “symboliser une rupture avec les connotations du colonialisme”, ce qui se passe n’est ni décolonial ni utile à une grande partie des artistes travaillant dans les tranchées de la musique du monde qui doivent désormais faire face non seulement aux pandémies et aux réglementations restrictives en matière de visas qui rendent les tournées risquées et coûteuses, mais aussi à la concurrence dans leur catégorie de superstars mondiales comme Burna Boy et Wizkid et assez tôt Justin Bieber et Ed Sheeran, car l’esthétique pop mondiale hautement polie et de plus en plus unifiée colonise beaucoup une musique plus profondément enracinée, plus sophistiquée et analogue – l’évolution vivante de siècles de mouvements souvent douloureux de personnes, d’instruments, de musique et de culture dans les deux sens à travers les océans et les déserts, les montagnes et les plaines.

Et donc, comme me l’a expliqué le pionnier de l’Afrofunk Ebo Taylor, des artistes comme lui, Fela et Tony Allen ont pu créer l’Afrobeat parce qu’ils pouvaient littéralement ressentir et retracer ses myriades de racines – africaines, caribéennes et américaines, musulmanes, chrétiennes et traditionnelles. dont le mélange l’a créé; l’opposé polaire de l’aura profonde et du glamour qui définissent la pop aujourd’hui, peu importe qui la fait.

Comme pour tout ce qui implique le choc de la race et de l’art, les meilleures intentions peuvent souvent donner des résultats moins que virtuoses, en particulier lorsque l’argent, le marketing et les notes sont en jeu. Si les Grammys veulent garantir à tous les musiciens une chance égale d’exceller dans le métier qu’ils ont choisi, l’industrie doit consacrer beaucoup plus de ressources et d’efforts pour soutenir l’éducation musicale et culturelle au milieu d’une guerre culturelle brutale et raciste, et ajouter plutôt qu’éliminer catégories de prix afin de reconnaître un éventail beaucoup plus large et plus diversifié de réalisations musicales.

Tout le reste n’est que du bubblegum pop.

Les opinions exprimées dans cet article sont celles de l’auteur et ne reflètent pas nécessairement la position éditoriale d’Al Jazeera.

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